Advertisement

Die ökonomischen Wechselwirkungen von Musikindustrie und Medien

  • Peter TschmuckEmail author
Living reference work entry

Zusammenfassung

Der Beitrag zeigt im historischen Rückblick auf, wie sich Medienentwicklung und die musikindustrielle Verwertung von Musik gegenseitigen bedingen und beeinflussen. Im frühen Musikverlagswesen war die proto-industrielle Produktion und Verwertung von Musik bereits mit dem damals neuen Medium des Buchdrucks eng verknüpft und kulminierte dann im industriellen Produktionsverfahren der New Yorker Tin-Pan-Alley Ende des 19. Jahrhunderts. Mit der Etablierung der Tonträgerindustrie wurde das neue elektronische Medium Radio zuerst zu einem angefeindeten Konkurrenten, der dann später die Wertschöpfung in der Musikindustrie von den 1930er- bis 1950er-Jahren dominieren sollte. Film und TV wurden im Zeitalter der Tonträgerindustrie (von ca. 1955 bis 2000) zu wichtigen Promotionskanälen für Musik und brachten neue Vermarktungsformen wie das Musikfernsehen hervor. Der Prozess der Digitalisierung des Musik-Wertschöpfungsnetzwerks revolutionierte nach 2000 nicht nur die Produktion, Distribution und Rezeption von Musik, sondern ermöglichte auch völlig neue Wechselwirkungen zwischen der Musikindustrie und den Neuen Medien. In all diesen historischen Abschnitten änderten sich die urheberrechtlichen Rahmenbedingungen, die immer starken Einfluss auf die Musiknutzung in den Medien hatten.

Schlüsselwörter

Musikindustrie Musikverlagswesen Tonträgerindustrie Digitale Musikökonomie Musikstreaming 

Literatur

  1. Adler, M. (1985). Stardom and talent. American Economic Review, 75, 208–212.Google Scholar
  2. Baierle, C. (2009). Der Musikverlag: Geschichte, Aufgaben, Medien und neue Herausforderungen. München: Musikmarkt-Verlag.Google Scholar
  3. Barnouw, E. (1968). A history of broadcasting in the United States. The Golden Web 1933–1953. Oxford: Oxford University Press.Google Scholar
  4. Barnouw, E. (1982). Tube of plenty. The evolution of American television. New York: Oxford University Press.Google Scholar
  5. Benyovszky, K. (1934). J. N. Hummel: Der Mensch und Künstler. Bratislava: EOS-Verlag.Google Scholar
  6. Budnick, D., & Baron, J. (2011). Ticket masters. The rise of the concert industry and how the public got scalped. Toronto: ECW Press.Google Scholar
  7. Chapple, S., & Garofalo, R. (1977). Rock ‘n’ Roll is here to pay. The history and politics of the music industry. Chicago: Nelson-Hall.Google Scholar
  8. Clarke, D. (Hrsg.). (1989). The Penguin Encyclopedia of popular music. New York: Viking University Press of America.Google Scholar
  9. Denisoff, S. R. (1988). Inside MTV. New Brunswick: transaction.Google Scholar
  10. Eberly, P. K. (1982). Music in the air: America’s changing tastes in popular music, 1920–1980. New York: Hastings House.Google Scholar
  11. Elberse, A. (2013). Blockbusters. Why big hits – and big risks – are the future of the entertainment business. New York: Macmillan.Google Scholar
  12. Engelmann, M., Grünewald, L., & Heinrich, J. (2012). The new Artepreneur: How artists can thrive on a networked music business. International Journal of Music Business Research, 1(2), 32–46.Google Scholar
  13. Garofalo, R. (1997). Rockin’ out. Popular music in the U.S.A. Upper Saddle River: Prentice Hall.Google Scholar
  14. Gelatt, R. (1955). The fabulous phonograph. From tin foil to high fidelity. Philadelphia/New York: J. B. Lippincott.Google Scholar
  15. Gronow, P., & Saunio, I. (1998). An international history of the recording industry. London/New York: Cassel.Google Scholar
  16. IFPI. (2018). Global music report 2018. London: IFPI.Google Scholar
  17. Katz, H. (2010). The media handbook (4. Aufl.). New York/London: Routledge.Google Scholar
  18. Kornfeld, B. (2011). Pop song piracy. Disobedient music distribution since 1929 (Kindle-Ausgabe). Chicago/London: The University of Chicago Press.Google Scholar
  19. Kuhnke, K., Miller, M., & Schulze, P. (1976). Geschichte der Pop-Musik (1. Aufl.). Bremen: Eres Edition.Google Scholar
  20. MacDonald, G. M. (1988). The economics of rising stars. American Economic Review, 78, 155–167.Google Scholar
  21. Peterson, R. A. (1990). Why 1955? Explaining the advent of rock music. Popular Music, 9(1), 97–116.CrossRefGoogle Scholar
  22. Pohlmann, H. (1962). Die Frühgeschichte des musikalischen Urheberrechts (ca. 1400–1800). Kassel: Bärenreiter.Google Scholar
  23. Pohlmann, H. (1989). Urheberrecht. In F. Blume (Hrsg.), Die Musik in Geschichte und Gegenwart, Band 13, Taschenbuchausgabe (S. 1162–1171). München/Kassel: dtv/Bärenreiter.Google Scholar
  24. Rosen, S. (1981). The economics of superstars. American Economic Review, 78(5), 845–858.Google Scholar
  25. Ryan, J. (1985). The production of culture in the music industry: The Ascap-BMI controversy. New York: University Press of America.Google Scholar
  26. Samuelson, P. A. (1954). The pure theory of public expenditure. The Review of Economics and Statistics, 36(4), 387–389.CrossRefGoogle Scholar
  27. Sanjek, R. (1988). American popular music and its business: the first four hundred years, Volume 2: From 1790 to 1909. New York: Oxford University Press.Google Scholar
  28. Sanjek, R., & Sanjek, D. (1991). American popular music business in the 20th century. New York/Oxford: Oxford University Press.Google Scholar
  29. Sartori, C. (1989). Petrucci, Ottaviano. In F. Blume (Hrsg.), Die Musik in Geschichte und Gegenwart, Band 13, Taschenbuchausgabe (S. 1139–1142). München/Kassel: dtv/Bärenreiter.Google Scholar
  30. Shapiro, C., & Varian, H. R. (1998). Information rules: A strategic guide to the network economy. Cambridge, MA: Harvard University Press.Google Scholar
  31. Siegert, G., & Brecheis, D. (2010). Werbung in der Medien- und Informationsgesellschaft (2. Aufl.). Wiesbaden: VS Verlag.CrossRefGoogle Scholar
  32. Sterling, C. H., & Kittross, M. J. (2002). Stay tuned: a history of American broadcasting (3. Aufl.). Mahwah: Lawrence Erlbaum Associates.Google Scholar
  33. Suisman, D. (2009). Selling sounds: The commercial revolution in American music. Harward: Harward University Press.Google Scholar
  34. Tschmuck, P. (2002). Creativity without a Copyright. Music Production in Vienna in the Late Eighteenth Century. In R. Towse (Hrsg.), Copyright in the cultural industries (S. 210–220). Cheltenham: Edward Elgar.Google Scholar
  35. Tschmuck, P. (2012). Creativity and innovation in the music industry. Berlin/Heidelberg: Springer International.CrossRefGoogle Scholar
  36. Tschmuck, P. (2016). Das 360°-Musikschaffen im Wertschöpfungsnetzwerk der Musikindustrie. In B. Lange, H.-J. Bürkner & E. Schüßler (Hrsg.), Akustisches Kapital. Wertschöpfung in der Musikwirtschaft (S. 285–316). Bielefeld: transcript.Google Scholar
  37. Tschmuck, P. (2017). The economics of music. Newcastle-upon-Tyne: Agenda Publishing.CrossRefGoogle Scholar
  38. Wang, P. (2014). Musik und Werbung. Wie Werbung und Medien die Entwicklung der Musikindustrie beeinflussen. Wiesbaden: Springer VS.Google Scholar
  39. White, L. (1947). The American radio. A report on the broadcasting industry in the United States from the commission on Freedom of the Press. Chicago: University of Chicago Press.Google Scholar
  40. Wicke, P. (1998). Von Mozart zu Madonna. Eine Kulturgeschichte der Popmusik. Leipzig: Gustav Kiepenheuer Verlag.Google Scholar

Copyright information

© Springer Fachmedien Wiesbaden GmbH, ein Teil von Springer Nature 2018

Authors and Affiliations

  1. 1.Institut für Kulturmanagement und Gender StudiesUniversität für Musik und darstellende Kunst WienWienÖsterreich

Personalised recommendations